«Tutto è connesso» (Alles ist verbunden), lautet der Titel von Mario Merz’ (1925-2003) eindrücklichem Iglu, das der Meister der italienischen Arte Povera im Foyer des Kunstmuseums realisierte. Der Künstler blendet zurück in die Ursprünge der Menschheit, indem er sich auf die archaische Form eines Iglus, bezieht. Im Bestreben die Urgeschichte mit der Gegenwart zu verbinden, bedient er sich neuartiger Werkstoffe, vor allem des Neon-Lichts. Die zwischen den Steinplatten aufleuchtende Zahlenreihe – 1 (+) 1 (=) 2 (1+2=) 3 (2+3) 5 (3+5) 8 usw. – gründet auf dem italienischen Mathematiker Fibonacci und deutet eine Bewegung an, die sich von einem anfänglichen langsamen Fortschreiten bis zum rasanten Tempo der Gegenwart beschleunigt. Zudem kontrastiert der Künstler, der mit einer erstrangigen Werkgruppe in der Sammlung vertreten ist, den historischen Prunk der Museumsarchitektur mit einer «armen» Materialität, die in ihrer schlichten Präsenz und Archaik grundlegende gesellschaftliche wie existentielle Fragen thematisiert.

Ebenfalls wesentlich von der prozesshaft angelegten Kunst der späten sechziger Jahre beeinflusst ist das Schaffen des Ostschweizer Künstlers Roman Signer. Der Bildhauer erweitert die klassische Skulptur durch die Dimension der Zeit bzw. das Sichtbarmachen von Prozessen. Sein Œuvre ist im Kunstmuseum St.Gallen gültig dokumentiert, angefangen von den frühen Arbeiten wie dem nur in Form von Skizzen oder Modellphotos vorhandenen «Warschauer Projekt» (1971) bis zur berühmten «Aktion mit einer Zündschnur» (1989), die als raumgreifendes Objekt die Sammlung bereichert. Vom 11. September bis zum 15. Oktober 1989 liess der Künstler über zwanzig Kilometer entlang der Bahngeleise eine Zündschnur von seinem Geburtsort Appenzell bis zu  seinem aktuellen Wohnort St.Gallen abbrennen. Nicht nur Raum und Zeit wurden dabei durchmessen, das Werk lässt sich auch als ein Weg-Gehen im konkreten wie metaphorischen Sinne verstehen – eingebettet in eine Landschaft, die sich dem Betrachter im Werk nur mehr gedanklich erschliesst. Konsequent seinem künstlerischen Ansatz folgend, entstehen so teils vergängliche Arbeiten, die üblicherweise nur in Videos bzw. in zuvor minuziös geplanten und alle Werkphasen dokumentierenden Fotoserien erhalten bleiben. Das zeigt sich exemplarisch in «Schwarzes Tuch» (1994), «Fahrrad mit Raketen» (1995) und «Kleine Ereignisse Hotel Castell, Zuoz», (1996).

Im Umfeld eines erweiterten Skulpturbegriffs bewegen sich auch Kunstschaffende wie Erwin Wurm (*1954), Christoph Rütimann (*1955), Matthew McCaslin (*1957), Karin Sander (*1957), Sylvie Fleury (*1961), Christoph Büchel (*1966), Koenraad Dedobbeleer (*1975) oder Nadim Vardag (*1980), die mit zum Teil umfangreichen Werkgruppen in der Sammlung vertreten sind.

Der ausgebildete Musiker Nam June Paik, der in den sechziger Jahren in Deutschland im Umfeld der Fluxus-Bewegung und der Düsseldorfer Szene um Joseph Beuys hervorgetreten war, gilt allgemein als Grossvater der Videokunst. Dank einer grosszügigen Schenkung von Heinrich E. Schmid kann die St.Galler Sammlung als einziges Museum in der Schweiz eine bedeutende Installation von Paik permanent der Öffentlichkeit zugänglich machen: «Beuys-Voice – A Hole in the Hat», 1987 für die documenta 8 entstanden, ist eine künstlerische Hommage an seinen Weggefährten, den im Jahr zuvor verstorbenen Joseph Beuys. Gezeigt werden in staccatoartigen Schnitten kurze Bildfolgen aus einer gemeinsamen Performance, einzelne Insignien des Künstlers wie der brennende Hut, gegengeschnitten mit computergenerierten Sequenzen, wie sie nicht nur für die Entwicklung der Videokunst, sondern auch für die nachfolgende MTV- und Musikvideogeneration vorbildhaft werden sollten.

Zur jüngeren Generation von Videokünstlerinnen zählt die St.Gallerin Pipilotti Rist, deren Schaffen inzwischen weltweit gefeiert wird. Im Kunstmuseum St.Gallen hatte sie nicht nur ihre erste Museumsausstellung, die Sammlung beherbergt auch zahlreiche Werke der Künstlerin: frühe Einkanalvideoarbeiten sowie raumgreifende Installationen. Im Foyer des Museums permanent installiert ist der «T.V.-Lüster» (1993), ein Depositum der Schweizerischen Eidgenossenschaft. Das einzigartige Videoobjekt besteht aus sechs Monitoren, auf denen die Augen der Künstlerin im Polkatakt kreisen. Im raffiniert angelegten Werk verbinden sich zwei Grundthemen der Videokunst – die Überwachungskamera und der Bildschirm als magische Lampe – und verströmen dabei in spielerischer Weise ein Glücksgefühl, das den Besucher auf dem Rundgang durchs Museum bestimmt nachhaltig begleiten wird.

2012 konnte dank Sondermitteln von Stadt und Kanton St.Gallen sowie der grosszügigen Unterstützung durch die Raiffeisen Jubiläumsstiftung und die Stiftung Ars Rhenia ein weiteres Schlüsselwerk im Oeuvre der Künstlerin erworben werden. «Administrating Eternity» (2011) bildete als spektakulär inszenierte Installation im Oberlichtsaal den Höhepunkt der retrospektiven Ausstellung Blutbetriebene Kameras und quellende Räume von Pipilotti Rist, die 2012  im Kunstmuseum St.Gallen stattfand. In diesem Meisterwerk finden zentrale Elemente ihres Videoschaffens zusammen: Die raumgreifende Inszenierung ist ebenso charakteristisch für ihre unverwechselbare künstlerische Sprache wie schwindelerregende Kamerafahrten und sich überschlagende Bilder, die mit technischen Verfremdungen und assoziativen Montagen in einen mitreissenden farbigen Bilderstrom münden. Raffiniert befragt die Künstlerin den vermeintlichen Wirklichkeitsgehalt des elektronischen Mediums und schafft sinnliche Bildräume, in die man als Besucher eintaucht, um einzigartige Glücksgefühle zu erleben. Inhaltlich erweitert Pipilotti Rist mit «Administrating Eternity» die unmittelbare Aussage früher Arbeiten durch das Moment des Traumhaften. Die Ewigkeit zu verwalten, wie es der Titel andeutet, scheint ein urmenschliches Verlangen. Die Künstlerin bezieht sich auf den prekären Zustand zwischen Wachen und Schlafen, der im begleitenden Sound anklingt.

Zur jüngsten Generation von Videokünstlern gehört die Südafrikanerin Candice Breitz (*1972), die in den vergangenen Jahren mit Ausstellungen international grosse Beachtung fand und nun mit zwei eindrücklichen Werken in der St.Galler Sammlung vertreten ist: «Becoming Julia», 2003, und «Me Myself I», 2001. Bei letzterem handelt es sich um den Titel eines populären Hits der amerikanischen Songwriterin Joan Armatrading aus den 1980er Jahre. Diesen übersetzt die Künstlerin in ein Video, das eine Art Road Movie mit einer beinahe privaten Innensicht verbindet, während «Becoming Julia» die von der Traumfabrik Hollywood permanent produzierten Rollenmodelle dekonstruiert und eindringlich die Frage nach der Konstruktion von Identität im heutigen Medienzeitalter stellt.

«Wild Seeds» lautet der Titel einer eindrücklichen Videoinstallation, welche die 1970 geborene Yael Bartana 2005 erstmals an der Biennale von Istanbul realisierte. Die israelische Künstlerin konfrontiert uns in ihrem Schaffen mit mediatisierten Erfahrungen der Wirklichkeit. Wiederholt hat sie sich mit der Militarisierung des israelischen Alltags bzw. dem Selbstverständnis des jüdischen Staates beschäftigt und dafür Bilder gefunden, denen eine zutiefst verstörende Qualität inne wohnt wie in den vermeintlichen Kinderspielen in «Wild Seeds».